Hedi Slimane

Fotografiar es como respirar

Diseñador autodidacta y fotógrafo vocacional, Hedi Slimane ha creado un universo en blanco y negro donde reinan ls música y los adolescentes.

Hedi Slimane nace en París en 1968. Estudiante de Historia del Arte en la Academia del Louvre, sus primeros pasos reales en el mundo de la moda vendrán de la mano de las casas Louis Vuitton e Yves Saint Laurent, aunque no será hasta el año 2000 que alcance pleno éxito como diseñador. Una de las grandes firmas de moda francesa, Chistian Dior, le abre sus puertas, dejándole al frente de su línea masculina, Dior Homme.

Desde este momento, este escurridizo francés de ascendencia italiana y tunecina, dictará las normas de la silueta masculina para el hombre del siglo XXII: sinuosas figuras estilizadas hasta el extremo -las malas lenguas aseguran que el mismo Karl Lagerfeld adelgazó hasta treinta kilos solo para vestir algunas de sus creaciones-, y el marcado carácter andrógino de sus colecciones, Slimane reanimará durante casi una década el corte pitillo más extremo, y las combinaciones en blanco y negro más chic y sofisticadas que se han podido ver sobre las pasarelas masculinas.

En abril de 2007, y tras haber sido nombrado Diseñador Internacional del Año 2002 por el Council of Fashion Designers of America (CFDA), anuncia su marcha de Dior Homme para poder desarrollar sus creaciones al margen de la multinacional. “Hay áreas de mi trabajo que no son negociables, como la creación de una marca con mi nombre”, afirmaba entonces el diseñador.

Multidisciplinar artista y fotógrafo, su carrera ha estado vinculada a la música en todo momento: creador de la silueta indie-rock, ha diseñado la imagen de algunas de las bandas de rock independiente más importantes de los últimos años, como los norteamericanos The Strokes, o los británicos Babyshambles. Muestra de ello, la edición del volumen Stage (Escenario), con imagénes que reflejan los rituales previos a los conciertos de rock, y que le vinculan al movimiento alternativo británico, y en general, a la importancia de la música como motor de todas sus creaciones.

http://www.hedislimane.com/

Jo Ann Walters

Jo Ann Walters is a photographic artist living and teaching in New England. She has been practicing photography since the middle 1980’s and has been described by seminal photographer William Eggleston as “one of the few independently original photographers working in the medium today.” Her work is included in important collections including the Museum of Modern Art, the San Francisco Museum of Modern Art, St Louis Museum of Art, the Biblioteque Nationale, and the Center for Fine Photography, Bombay, India among others. She is a Guggenheim Fellow and the recipient of the Friends of Photography’s Ferguson Award for outstanding portraiture. She has won two Connecticut Commission of the Arts Fellowships, an artist grant from Kittredge Educational Foundation and was awarded support from the Peter S. Reed Foundation acknowledging distinguished writers, choreographers, filmmakers and visual artists in their fields. Most recently she was a finalist in the Women in Photography International annual competition and a finalist for the John Guttman Fellowship from the San Francisco Foundation. An essay of her work has been published in “Heartland” the final issue of DoubleTake magazine, and Abbeville Press’s New Color/New Work. Her work is also included in The Museum of Modern Art's publication The Pleasure and Terror of Domestic Comfort. She is compiling a book of portrait work titled: Vanity + Consolation with text by Sandra Phillips, senior curator at SFMoMA and Professor Laura Wexler, Chair of Women’s Studies and faculty in American Studies at Yale University. Her current project is DogTown comprised of rural and industrial sites made in small towns and villages throughout the Midwestern + Southern United States. She has been on the faculties of Yale University and Rhode Island School of Design. She is the Chair of the Photography Board of Study at Purchase College, The State University of New York.

http://joannwalters.com/

Stephen Dupont

Stephen Dupont is an international award-winning Australian photographer and filmmaker and a member of Contact Press Images. His reportage has been featured in The New Yorker, Newsweek, French and German GEO, Liberation, The Sunday Times Magazine, The New York Times Magazine and Time, and has earned him photography's most prestigious prizes, including a Robert Capa Gold Medal citation from the Overseas Press Club of America in 2006 and first places in the World Press Photo, Pictures of the Year International and the Australian Walkley awards.

In 2007 he was the recipient of the W. Eugene Smith Grant for Humanistic Photography for his long-term project on Afghanistan. His work has been exhibited in London, Paris, New York, Sydney, Tokyo, Shanghai, and at Perpignan's Visa pour l'Image festival. He was a founding member of the first festival of photojournalism in Australia: Reportage - A Celebration of Australian Photojournalism. He works on long-term projects around war, conflict and social issues.

www.stephendupont.com

Chema Madoz

No todo es lo que parece

Chema Madoz (Madrid,1958) se encarga de poner los objetos en evidencia. Ocultos entre la cotidianeidad surgen nuevos mundos. Nuevas dimensiones que de la mano de la metáfora alteran la percepción de la realidad más inmediata. El absurdo, la paradoja, el humor -por qué no la gregería- se dan cita en el estudio del fotógrafo. La idea inicia su proceso de superación del objeto y establece una descontextualización Dadá. La ironía con la que Madoz asalta modelos reconocibles establece una relación con el espectador que le conduce por los caminos de un universo paralelo.

... las fotografías no son solo el reflejo de lo que estaba ahí (una suerte de memoria portátil), -nos comenta Fernando Castro- también tienen que ver con la conciencia de la desaparición...

... en sus metaforizaciones fotográficas enmarca cosas de una singular simetría o hace que nos fijemos en sencillos desplazamientos, en puntos de vista que modifican lo real...

Cristian Caujolle subraya que en la obra de Madoz está articulada por unos objetos engañosos que detrás de su apariencia habitual, la que reconocemos (un sobre, un guante, una cerilla, un bastón, una balanza, un lapiz, etc.), porque nos es familiar, ocultan una extrañeza que produce una sensación nueva que impide considerar las fotografías como naturalezas muertas.

Fotopoemario editado por La Fabrica es un libro delicioso con poemas inéditos de Joan Brossa a partir de fotografías de Chema Madoz:

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Poemas/ineditos/Joan/Brossa/partir/fotos/Chema/Madoz/elpepicul/20030619elpepicul_9/Tes

http://www.chemamadoz.com/

Alexandr Mijáilovich Rodchenko

Alexandr Mijáilovich Rodchenko (San Petersburgo 1891 - Moscú 1956), escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso, fue uno de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y treinta. Fue uno de los fundadores del constructivismo ruso y estuvo casado con la también artista Varvara Stepánova.

Ródchenko nació en San Petersburgo, su familia se mudó a Kazán a los 3 años en 1902estudio en la Escuela de Arte de Kazán donde impartían clase Nikolai Feichin y Georgui Medvédev, y también en el Instituto Stróganov de Moscú. Hizo sus primeros dibujos abstractos, influido por el Suprematismo de Kasimir Malevich, en 1915. Al siguiente año, participó en "The Store", exhibición organizada por Vladímir Tatlin, quien ejerció una gran influencia en su desarrollo como artista.

Como muchos miembros del avant-garde, se alinearon con los bolcheviques, que lo nombraron Director de la Oficina del Museo y del Fondo de compras en 1920. Fue el responsable de la reorganización de las escuelas de arte y de los museos.

Entre 1920 y 1930 también impartió clases en el Estado Superior de Talleres de Artistas-Técnicos(Vjutemas/Vjutein).

Ródchenko volvió a pintar a finales de 1930 y paró de fotografiar en 1942, produciendo cuadros expresionistas abstractos en los años 40. Él continuó organizando exhibiciones de fotografías para el gobierno durante estos años. Murió en Moscú en 1956.

Jim Goldberg

Jim Goldberg is a Professor of Art at the California College of Arts and Crafts and a member of Magnum Photos. He has been exhibiting for over 30 years and his innovative use of image and text make him a landmark photographer of our times. He began to explore experimental storytelling and the potentials of combining image and text with “Rich and Poor”, (1977-85), where he juxtaposed the residents of welfare hotel rooms with the upper class and their elegantly furnished home interiors to investigate the nature of American myths about class, power, and happiness. In "Raised by Wolves” (1985-95), he worked closely with and documented runaway teenagers in San Francisco and Los Angeles to create a book and exhibition that combined original photographs, text, home movie stills, snapshots, drawings, diary entries as well as single and multi-channel video, sculpture, found objects, light boxes and other 3-D elements. He is currently working on two books on migration in Europe to be published in 2009 and 2010 by Steidl. He is represented by Pace/MacGill Gallery in New York and the Stephen Wirtz Gallery in San Francisco.

His work is in numerous private and public collections including NYMOMA, SFMOMA, Whitney, Getty, LACMA, Corcoran, MFA Boston, Hallmark Collection, The High Museum, Library of Congress, MFA Houston, National Museum of American Art, and the Art Institute of Chicago.

Jim Goldberg’s fashion, editorial and advertising work has appeared in numerous publications including W, Details, Flaunt, The New York Times Magazine, Esquire, Rebel, GQ,The New Yorker, and Dazed and Confused. He lives and works in San Francisco.

Alberto García-Alix

Alberto García-Alix (n. León, 1956) Premio Nacional de Fotografía en 1999, García-Alix expuso por primera vez en la Galería Buades en 1981.

Su obra recorre diversos países y es admirada en publicaciones como Vogue, British Journal of Photography o Vanity Fair. Destacan sus retratos en blanco y negro, con series dedicadas a las motos, los presos, las estrellas del porno, los yonquis y los tatuajes. Amante de las motocicletas y de los retratos sus cámaras Leica y Hasselblad han inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionales. Las motos, los tatuajes, la música y la noche han sido algunas de sus musas de inspiración.

En 2008 el Museo Reina Sofía de Madrid recogió gran parte de su obra en la exposición De donde no se vuelve. Una de las retrospectivas más grandes del autor, donde a parte de sus clásicos retratos también se exponía su último trabajo realizado en China. Dos veces recorrí todas sus salas y puedo asegurar que esta exposición no dejó indiferente a nadie!

William Klein

William Klein (n. 19 de abril de 1928) fotógrafo y director de cine estadounidense. Aunque nació en Nueva York y fue educado en el City College de esa misma ciudad, la actividad de Klein se desarrolla principalmente en Francia. Ha dirigido un gran número de películas comerciales, incluyendo el filme de 1966 Who Are You, Polly Magoo? y la sátira antiestadounidense Mr. Freedom. La fotografía de Klein ganó el Premio Nadar en 1956. Seis años antes se casó con Jeanne Florian.

William Klein siempre ha sido un tipo curioso. Su manera de ver el mundo ha influido a varias generaciones de fotógrafos. El rigor de sus encuadres, la manera en que hace que el fotografiado se olvide de su presencia a pesar de estar tan cerca suyo, la perfección de sus composiciones... Resumiendo, tiene un dominio absoluto de su profesión. De todos sus trabajos, hemos decidido haceros volver a descubrir sus series sobre Nueva York(1955), Roma (1957), Moscú (1959), y Tokio (1964), que siguen siendo lecciones de fotografía realmente únicas, y que no han perdido ni un ápice de modernidad.

Como gran admiradora de su trabajo tuve el placer de cruzarme con él en Visa pour l’image! Insuperable Klein!

http://www.elmundo.es/elmundo/2010/05/14/cultura/1273847450.html

Nick Waplington

The artist and photographer Nick Waplington was born 1970 in Aden. The eldest of three children, he traveled extensively during his childhood as his father worked as a scientist in the nuclear industry. He studied art at Worthing Art College, Trent poly and The Royal College in London. He currently is living in Jerusalem, Israel. One of Britain’s leading contemporary photographers, Nick Waplington is well known for photographs of his family and friends, of places and events that he has witnessed first hand. Taken as a whole they suggest an intimate diary yet also build up to provide a picture of our times, chronicling life on the streets of East London – where the artist lives and works – or at festivals, street parties and demonstrations. He is noted for his conceptual approach to photography.

Danny Lyon

Danny Lyon (born March 16, 1942) is a self-taught American photographer and filmmaker. He is also credited as an accomplished writer to accompany his photographs. He studied history at the University of Chicago, where he graduated with a Bachelor of Arts degree in 1963. That same year, he published his first photographs working for the Student Nonviolent Coordinating Committee. His pictures appeared in The Movement, a documentary book about the Southern Civil Rights Movement.

Danny Lyon received the Guggenheim Foundation Fellowship for photography in 1969, and in film making in 1979. He has had solo exhibits at the Whitney Museum of American Art, the Museum of Modern Art, the Art Institute of Chicago, and the Center for Creative Photography at the University of Arizona. He is the founding member of the photography group Bleak Beauty. He was greatly encouraged in his documentary work by curator Hugh Edwards.

Danny Lyon nació en 1942, fotógrafo y cineasta autodidacta americano.

Fué miembro del club Chicago Outlaw Motorcycle Club y viajó mucho con ellos, compartiendo su modo de vivir. Según Lyon, las fotografías eran " una tentativa de registrar y glorificar la vida de los bikers americanos ". La serie era enormemente popular e influyente en los años 1960 y años 1970.

Tanyth Berkeley

Tanyth Berkeley was born in Hollywood, CA. She is best known for her portraits. Her subjects have included transgendered women, buskers and people she met on the subway in New York. She has been included in the Museum of Modern Art, New York's prestigious "New Photography" series of exhibitions (2007 exhibition) as well as exhibitions at the Denver Museum of Contemporary Art and two solo gallery exhibitions at Bellwether, New York. Her work has drawn comparisons to Nan Goldin, Diane Arbus, Eugène Atget and Lisette Model.

Berkeley received her MFA from Columbia University in 2004.

http://www.americansuburbx.com/2009/03/tanyth-berkeley-and-special-ones.html

Bruce Gilden

Bruce Gilden fotógrafo neoyorquino que se ha consagrado gracias a la fotografía callejera. Es miembro de la agencia Magnum desde 2002. Estudió Sociología en la Universidad Estatal de Pensilvania. En 1968, tras ver la película Blow-Up de Antonioni, se compró su primera cámara y se apuntó a clases nocturnas en la escuela de artes visuales de Nueva York.

Se define como fotógrafo callejero, y se interesa por cómo la gente comparte un mismo espacio físico urbano. Desde hace 25 años, su trabajo, todavía inconcluso, gira en torno a los habitantes de Nueva York. En sus fotografías utiliza un flash electrónico y hace que sus personajes sean conscientes de su presencia.

http://www.magnumphotos.com/Archive/C.aspx?VP=XSpecific_MAG.PhotographerDetail_VPage&l1=0&pid=2K7O3R1482X4&nm=Bruce%20Gilden